jueves, 29 de abril de 2010

* MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS DESDE 1945 HASTA EL NUEVO SIGLO *

PRIMER MOVIMIENTO: "POP ART"

El Arte Pop (Arte Popular) fue un movimiento artístico surgido a finales de los años 1950 en Inglaterra y los Estados Unidos; sus características son el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas aplicados a las artes visuales.
Subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. Se lo considera como la manifestación plástica de una cultura (pop) caracterizada por la tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie.
En este tipo de cultura también el arte deja de ser único y se convierte en una adicción.
 Los orígenes del Pop se encuentran en el dadaísmo y en su desprecio por el objeto, sin embargo el pop descarga de la obra toda la filosofía anti-arte de Dadá y encuentra una vía para construir a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana al igual que Duchamp había hecho con sus ready- mades. En cuanto a las técnicas también toma del dadaísmo el uso del collage y del fotomontaje.
Los temas, formas y los medios del Pop Art muestran los rasgos esenciales que asociamos con el ambiente cultural de los años sesenta y el estado de ánimo de la gente.

Uno de los artistas de este movimiento es Andy Warhol, que, con sus innovadoras obras, logró destacarse en el mundo artístico, convirtiéndose en una reconocida figura que trascendió distintas epocas, y hoy es el ícono de uno de los movimientos vanguardistas más importantes.

Este video nos muestra un poco de su vida:




Una de sus obras más destacadas fue: "Campbell's Soup Cans" (también conocida como "32 latas de sopa Campbell").

Consiste en treinta y dos lienzos con una pintura de una lata de sopa Campbell (cada una de las variedades de sopa enlatada).

Para Warhol esta obra constituyó su primera exposición individual en una galería de arte como artista profesional. La obra marcó el debut del arte pop en la Costa oeste de los EE.UU. Al principio, la combinación del proceso semimecanizado, el estilo y el tema comercial causaron molestia, ya que el evidente comercialismo mundano representaba una afrenta directa a la técnica y filosofía del expresionismo abstracto. Esta controversia condujo a un gran debate acerca de la ética y los méritos que suponían tal trabajo. Los motivos de Warhol como artista fueron cuestionados. La gran conmoción pública ayudó a transformar a Warhol de un experimentado ilustrador comercial de los años 1950 a un notable artista de bellas artes, y lo hizo distinguirse de otros artistas pop emergentes. Aunque la demanda comercial por sus pinturas no fue inmediata, la relación de Warhol con el tema llevó a que su nombre se convirtiera en sinónimo de las pinturas de Latas de sopa Campbell.



Andy Warhol afirmaba que: "La razón por la que pinto de este modo es porque quiero ser una máquina".




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domingo, 25 de abril de 2010

EL SURREALISMO

En 1924 André Breton, líder del movimiento, lo define como "el dictado de pensamiento carente de todo control ejercido por la razón y fuera de toda preocupación estética o moral".

El surrealismo fue el movimiento literario y artístico más importante de entreguerras, pero sus intenciones no se limitaron al arte. Su finalidad era transformar la vida a través de la liberación de la mente del hombre de todas las restricciones tradicionales que la esclavizan. La religión, la moralidad, la familia y la patria se convierten así en instituciones a revisar. El movimiento surrealista se inició de manera oficial en París en 1924 con la publicación del Primer Manifiesto, escrito por André Breton. Sin embargo, durante los tres años anteriores se puede considerar que estaba gestándose, pues el foco dadaísta parisino lo configuraron los mismos miembros que, más tarde, se adscribirían a los surrealistas.

El surrealismo adoptó formas muy diversas; en un primer momento fue la causa un proyecto esencialmente literario, sin embargo en la segunda mitad de los años veinte se fue adaptando rápidamente a las artes visuales (la pintura, la escultura, la fotografía, el cine).

PRINCIPAL ARTISTA: Salvador Dalí (1904-1989)
Se considera al pintor español, el principal exponente del surrealismo.
Nació en Figueres, Girona, el 11 de mayo de 1904. En 1921 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), de donde fue expulsado en 1926. En esa época vivió en la Residencia de Estudiantes de Madrid. En 1929, instalado en París, donde conoció a Pablo Picasso, se adhiere al surrealismo, aunque los miembros principales del movimiento expulsarían finalmente a Dalí por sus tendencias políticas derechistas. La producción de Dalí de este periodo se basa en su método paranoico-crítico, inspirado en buena parte en las teorías de Freud, representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas insospechadas y sorprendentes, como los relojes blandos de La persistencia de la memoria. Dalí se trasladó a Estados Unidos en 1940, donde permaneció hasta 1948. Sus últimas obras, a menudo de contenido religioso, se realizan en un estilo más clásico, entre ellas cabe citar la Crucifixión (1954, Metropolitan Museum, Nueva York) y La Última Cena (1955, Galería Nacional de Washington). La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso. Dalí realizó varias películas surrealistas en colaboración con Buñuel como El perro andaluz (1928) y La edad de oro (1930), libros ilustrados, diseños de joyería así como escenografías y vestuarios teatrales. También escribió libros autobiográficos como La vida secreta de Salvador Dalí (1942) y Diario de un genio (1965). Fue miembro de la Academia Francesa de Bellas Artes desde 1979. Murió el 23 de enero de 1989 en Figueres.



"Los relojes blandos" se convirtieron en su marca característica en muchas de sus obras. Para Dalí, los relojes representaban el principio de la realidad, mientras que lo blando, el del placer.










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EL DADAÍSMO

Hoy les voy a hablar sobre otro movimiento pictórico famoso: EL DADAÍSMO.

Es un movimiento de rebelión que entre 1915 y 1922 se manifiesta como un revulsivo frente a la demencia general de la humanidad enfrascada en la Primera Guerra Mundial. Dada significa caballito de juguete.

El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.

Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.


Características del dadaísmo

  • Expresión irónico-satírica de los valores artísticos establecidos por la tradición y también por la vanguardia fauvista y expresionista (actitud anti-arte).
  • Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de materiales ( collage y décollage) y objetos de desecho cotidiano.
  • Niega el Arte, despreciando lo retórico y academicista y cualquier canon impuesto.
  • Protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo e irracional (lo absurdo, el sinsentido y el azar establecen la identidad entre el arte y la vida). Feísmo.
  • Liberación del subconsciente (se produce una transición al surrealismo y al arte semi-abstracto).
  • Motivaciones de disociación.
  • Auge del disparate.
  • Expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la realidad pueden ser objeto artístico (Marcel Duchamp crea sus ready-mades).
  • Eliminación de la composición clásica.
  • Temática en la que predominan los mecanismos absurdos ("antimecanismos" que desarrollan una visión irónica de la máquina, de las cualidades a ella asimiladas y de la creciente importancia de lo mecánico en la sociedad moderna de la época).
  • Utilización de nuevas técnicas: el fotomontaje, variante nueva del collage introducida por R. Hausmann, realizado a base de imágenes multiplicadas y superpuestas, tomadas de periódicos, revistas y anuncios; y el "merz" o collage dadaísta (desarrollado por K. Schwitters) a base de materiales de desecho de todo tipo y estado.


Los pintores reclaman la intuición irracional y la libertad creativa del artista. El arte se confunde con la vida y la vida se ha de convertir en constante manifestación artística. Las características comunes de estos pintores viene a ser la rebeldía, su capacidad de negación y la irracionalidad. Son inconformistas y subversivos. El más destacados de estos pintores es Marcel Duchamp.

Marcel Duchamp pertenece a una familia de conocidos artistas de la vanguardia parisina, con miembros como su hermano Raymond Duchamp Villon, escultor cubista, y su hermanastro Jacques Villon, pintor. La primera etapa de Marcel Duchamp se caracteriza por sus frecuentes visitas a la Académie Julian de París y por una pintura que pone de manifiesto las referencias al impresionismo, fauvismo, cubismo y futurismo. En este período pintó obras tan relevantes como Nu descendant un escalier nº2 (1912), hoy en día en el Museo de Arte de Filadelfia. Es una obra que evidencia el alejamiento del cubismo en una búsqueda más próxima con el futurismo. El rechazo de esta obra en la exposición del Salón de Independientes de París, permite su presentación en España, en concreto, en la Exposición de arte cubista.
Entre 1915 y 1923, se puede hablar del siguiente período de Duchamp caracterizado por el abandono de la pintura. Desde 1914 había comenzado una corriente nihilista estética, planteando polémica e ironía en sus obras de arte, sobre todo, en objetos cotidianos ya realizados. Los sacó de su contexto y los puso su firma, son los llamados ready-made como Rueda de bicicleta (1913), A Bruit secret (1916) o La Fuente (1917), una taza de urinario que fue rechazada por la Society of Independent Artists.
Durante la década de los 20 se dedicó a la investigación de teorías ópticas, realizó varios cortometrajes surrealistas como "Anemic Cinéma" (1925) y fotografías experimentales de las que destacan Élevage de poussière de 1920.
Tras un período de dedicación como asesor de arte para coleccionistas y museos estadounidenses, regresa a la creación de objetos irónicos y absurdos, desde Biôte à valise hasta French window.


OBRA DESTACADA:



"Fountain" (1917). Esta pieza fue una de las más importantes y sorprendentes del movimiento Dada. Se planteó numerosas preguntas de lo que el arte es y podría ser, y cambió por completo las opiniones de cómo el arte se percibe en la actualidad.









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sábado, 17 de abril de 2010

EL EXPRESIONISMO.

El cuarto y último movimiento es: El Expresionismo.

Es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.
Se inicia con un periodo preliminar representado por el belga Ensor y el noruego Munch.

Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.

El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.

La obra de arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia interior. De aquí que los personajes que aparecen más que seres humanos concretos reproduzcan tipos. El primitivismo de las esculturas y máscaras de África y Oceanía también supuso para los artistas una gran fuente de inspiración.


UNO DE LOS PINTORES MÁS DESTACADOS ES: Edvard Munch (1863-1944)

Pintor noruego cuyos cuadros y obra gráfica, tristes y angustiosas representaciones basadas en sus obsesiones y frustraciones personales, abrieron el camino al desarrollo del expresionismo. Nacido en Loeiten, Noruega, el 12 de diciembre de 1863, Munch comenzó a pintar a la edad de 17 años. Una beca estatal le permitió proseguir sus estudios en París durante un breve periodo de tiempo. Veinte años después, Munch desarrolló la mayor parte de su producción artística. Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista, derivó hacia un estilo mucho más personal, obsesivamente apegado a la representación de imágenes relacionadas con la enfermedad y la muerte. La exposición de sus cuadros en Berlín en el año 1892 impresionó de tal modo a las autoridades que decidieron cerrar la muestra. En 1908 su estado de ansiedad alcanzó tal magnitud que hubo de ser hospitalizado. En 1909 regresó a Noruega. Aunque los últimos cuadros no son tan torturadores como sus primeros trabajos, su último autorretrato, Entre el reloj y la cama (1940, Museo Munch de Oslo), marca una vuelta a la introspección de años anteriores. Las numerosas xilografías, aguafuertes y litografías que Munch realizó a lo largo de su carrera tienen hoy día una significativa consideración dentro del arte gráfico contemporáneo, un trabajo y un estilo que puede definirse como poderoso, simple, directo y fuerte.
De entre toda su obra, la más conocida es quizá El grito (1893, Museo Nacional de Oslo). Ésta refleja el trauma sufrido por Munch en su niñez al morir su madre y su hermana víctimas de la tuberculosis. El grito es la expresión de su miedo personal, pero en este cuadro Munch logra expresar el desfallecimiento del hombre ante una realidad cada vez más compleja y confusa.














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EL POSTIMPRESIONISMO.

El tercer movimiento artístico del que me toca hablar es: El Postimpresionismo.

Es un movimiento vinculado en un principio al impresionismo pero después se convierte en una revisión de sus ideas. Reacciona contra el abandono de la forma y del volumen que el impresionismo había practicado y quiere recuperar el dibujo aunque sin renunciar al color.

Quiere captar no solamente la luz sino también la expresividad de las cosas y personas iluminadas: buscan el análisis de aquello sobre lo que la luz incide. Con sus aportaciones prepara el camino para los movimientos pictóricos del siglo XX.


Protagonistas destacados:

VINCENT VAN GOGH (1853-1890):

Vincent Van Gogh era el mayor de los seis hijos de un pastor protestante, y mantuvo con su hermano Theo una relación que sería determinante en su existencia y su trayectoria artística.
Tras recibir una esmerada educación en un internado privado, con dieciséis años entró como aprendiz en la filial de La Haya de la galería de arte parisina Goupil & Cie., fundada por su tío Vincent; allí conoció las obras de la escuela de Barbizon.
El traslado de Van Gogh a Londres en 1873 señaló el inicio de una primera etapa creativa. Se volvió cada vez más solitario, hasta que decidió unirse a los mineros de la Borinage. En este período realizó una serie de dibujos de los mineros.
Hacia 1880, tras ser expulsado por su excesiva implicación, descubrió en la pintura su auténtica vocación, considerándola una vía para consolar a la humanidad. En los primeros años de la década de 1880 estudió con diversos pintores, entre los que cabe destacar a Anton Mauve. Su rápida evolución y el conocimiento de los impresionistas lo llevaron a abandonar la enseñanza académica y a reunirse con Theo en París en 1876.
Su hermano le presentó a Pissarro, Seurat y Gauguin, y esta situación coincidiría con la definición de su pintura. Su interés por el color y por la captación de la naturaleza lo indujo a trasladarse a Arles, donde su obra fue progresivamente expresando con mayor claridad sus sentimientos sobre lo representado y su propio estado mental.
Con la pretensión de crear el grupo de los «impresionistas del sur», Van Gogh alquiló una casa donde invitó a los artistas con quienes compartía intereses y en la que Gauguin pasaría dos meses. La primera crisis mental, en la que se cortó parte de la oreja izquierda, tuvo lugar en la Navidad del mismo año 1888.
En abril del año siguiente, ante el temor a perder su capacidad para trabajar, pidió ser ingresado en el hospital psiquiátrico de Saint-Rémy-de-Provence donde permaneció doce meses. Tras sufrir diversos ataques y ante la imposibilidad de salir al exterior a pintar, realizó obras relacionadas con el hospital, retratos de médicos y reinterpretaciones de obras de Rembrandt, Delacroix y Millet.
La pérdida de contacto con la realidad y una progresiva sensación de tristeza son las claves de este período en el que Van Gogh desarrolló un estilo basado en formas dinámicas y en el uso vigoroso de la línea, de lo cual resultó una pintura más intrépida y visionaria que la de Arles.
Sin conseguir superar el estado de melancolía y soledad en que se encontraba, en mayo de 1890 se trasladó a París para visitar a su hermano Theo. Por consejo de éste, viajó a Auvers-sur-Oise, donde fue sometido a un tratamiento homeopático por el doctor, y pintor aficionado, Paul-Ferdinand Gachet.
En este pequeño pueblo retrató el paisaje y sus habitantes, intentando captar su espíritu. Pese a que unos meses más tarde el doctor Gachet consideró que se encontraba plenamente curado, su estado de ánimo no mejoró debido a los sentimientos de culpa provocados por la dependencia de su hermano Theo y por su fracaso profesional. Sumido en esta situación de angustia, el 27 de julio Van Gogh se descerrajó un disparo en el pecho; murió dos días más tarde.

"La noche estrellada" fue pintada por Van Gogh desde su ventana mientras estaba internado en el asilo psiquiátrico de Saint-Rémy, Francia, en junio de 1889, trece meses antes de suicidarse a la edad de treinta y siete años.
El cuadro se divide en dos partes. Arriba vemos un cielo nocturno lleno de nubes que remolinean entre brillantes estrellas observadas por una luna creciente. Y abajo se aprecia el pequeño y quieto pueblo de Arles, donde el contorno de los edificios están pintados con gruesos trazos de tonos oscuros, al igual que el de los ondulados cerros que se ven en el horizonte.






Noche estrellada












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EL NEOIMPRESIONISMO

Pasamos al segundo movimiento artístico, vamos a hablar de: El Neoimpresionismo.

El neoimpresionismo también es conocido con el nombre de divisionismo y puntillismo. En realidad se trata de un impresionismo radical, en cierta manera disidente, que lleva a las últimas consecuencias las teorías científicas sobre el color y la luz de Michel Eugène Chevreul. Sin embargo, sus cuadros se diferencian netamente del impresionismo clásico. Surge, en cierto grado, como reacción contra el impresionismo. Los impresionistas habían formulado los principios que les servían de base, pero sin una sujeción firme a los mismos, cosa que si harán los neoimpresionistas. Sin embargo, se oponen al impresionismo por su interés por el volumen y la ordenación meditada del cuadro. Vuelve a cobrar importancia el dibujo, que se había abandonado a favor de las manchas de color. Las figuras se hacen geométricas. No se mezclan los colores ni en la paleta ni en el cuadro, sino que se aplican unos junto a otros con pinceladas muy cortas: puntos. Sólo usan los colores primarios y el ojo debe hacer la mezcla. Signac fue el teórico del movimiento y su representante más riguroso. En 1899 publicó un libro titulado "De Eugène Delacroix al Neoimpresionismo" a partir del cual surgió un gran número de seguidores.
Las características principales del neoimpresionismo son:
  • Preocupación por el volumen.
  • Formas concebidas dentro de una geometría de masas puras, bien definidas (pero sin perfiles).
  • Retorno a la ordenación meditada del cuadro, aplicando los principios clásicos de la composición.
  • Aplicación firme del principio de la mezcla optica: los tonos son divididos o descompuestos en los colores básicos puros para que el ojo los restituya en la visión lejana normal.
  • Utilización de la técnica del puntillismo: los cuadros son pintados mediante pequeñas pinceladas o punteados de colores puros para así lograr la mezcla optica.
  • Predilección por asuntos como puertos, orillas de rios y escenas circenses (Signac).

Las influencias del neoimpresionismo son las mismas que los impresionistas pero con mayor peso de las teorías ópticas de Chevreul sobre el contraste simultáneo de los colores. El neoimpresionismo tuvo una vida corta (1884 a 1891) ya que las obras requerían una paciente elaboración.


UNO DE LOS PINTORES MÁS DESTACADOS ES: Georges Pierre Seurat.

Seurat nació en París, el 2 de diciembre de 1859 y recibió su formación en la Escuela de Bellas Artes. Rechazando el efecto borroso de las pinturas impresionistas, inventó la técnica más científica del puntillismo. Muchas de las teorías de Seurat referidas a la pintura derivan del estudio de los tratados contemporáneos de óptica. Su tendencia científica se refleja también en sus hábitos de trabajar, que incluían horarios fijos y una meticulosa sistematización de su técnica. En 1884 Seurat acabó Los bañistas (Londres, National Gallery), una escena donde unos jóvenes se bañan en el río Sena, éste fue el primero de seis grandes lienzos que conformaron la mayor parte de su trabajo artístico. En ése y otros trabajos posteriores, continuó la tradición impresionista de mostrar las excursiones y distracciones de los días festivos. Su obra maestra, Un domingo de verano en la Grand Jatte (1884-1886, Instituto de arte de Chicago), representa a los paseantes del domingo de una isla del Sena. La pintura muestra una atmósfera de dignidad monumental a través de un orden equilibrado de sus elementos y los contornos de sus figuras.







































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IMPRESIONISMO

Hoy les voy a hablar de varios movimientos artísticos, el primero es: Impresionismo.

Este movimiento pictórico surge en Francia a finales del S. XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino.

El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos.

Los impresionistas se preocuparon más por captar la incidencia de la luz sobre el objeto que por la exacta representación de sus formas, debido a que la luz tiende a difuminar los contornos y refleja los colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbra.

Los pintores académicos definían las formas mediante una gradación tonal, utilizando el negro y el marrón para las sombras. Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello los colores primarios —ciano, magenta y amarillo— y los complementarios —naranja, verde y violeta—.

Consiguieron ofrecer una ilusión de realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas, que mezcladas por la retina del observador desde una distancia óptima aumentaban la luminosidad mediante el contraste de un color primario (como el magenta) con su complementario (verde). De este modo, los impresionistas lograron una mayor brillantez en sus pinturas que la que se produce normalmente al mezclar los pigmentos antes de aplicarlos.


"LA ECLOSIÓN DEL IMPRESIONISMO"


El impresionismo pretende representar la realidad en sus pinturas, plasma el instante, los efectos atmosféricos en un instante concreto.
Estos efectos se muestran en el agua, el cielo, la hierba...Se busca reflejar el continuo devenir de la naturaleza.






Abandonan los temas clásicos y mitológicos. Se busca representar la realidad del paisaje al aire libre.





Se utiliza una pintura a base de pequeñas pinceladas de colores que, mezcladas en el ojo humano, consiguen los matices de color y la sensación de continua vibración.





Por primera vez los lienzos se imprimían en blanco, consiguiendo así una pintura de tonos mucho más claros y luminosos.






También se representan paisajes urbanos y modernos, como Monet en su obra La estación de Saint-Lazare (1877).



Pretende resaltar los efectos cambiantes, eligiendo como tema la llegada del tren a la estación y mostrando el vapor de la locomotora.

La pincelada deshecha lleva a esta pintura casi a la abstracción.








En La Rue Montorgueil (1878) Monet representa el bullicio de la muchedumbre en una celebración urbana.

Reduce a pequeñas pinceladas la agitación de las banderas y la animación en los grupos de ciudadanos.







Como ya vimos dos obras que representan a uno pintor principal de este movimiento, vamos a describirlo: Claude Monet.

Pintor impresionista francés que llevó a su máxima expresión el estudio de los estados transitorios de la luz natural. Monet nació en París el 14 de noviembre de 1840. Hacia 1859 Monet había decidido firmemente comenzar su carrera de artista para lo que pasaba largas temporadas en París. En la década de 1860 se le asoció con el pintor pre-impresionista Édouard Manet y con otros pintores franceses que más tarde formarían la escuela impresionista. Monet pintaba, trabajando al aire libre, paisajes y escenas de la sociedad burguesa contemporánea, y así comenzó a tener cierto éxito en las exposiciones oficiales. Sus experimentos al aire libre se hacían cada vez más audaces, buscando la reproducción de la luz del día por medio de una aplicación libre de colores brillantes. De este modo, deliberadamente le dio la espalda a la posibilidad de una carrera exitosa como pintor convencional en la línea del arte oficial. Las composiciones de Monet poseen una estructura bastante libre, aplicando el color con cortas y vigorosas pinceladas. Esta técnica viene determinada por la espontaneidad e inmediatez que exige la pintura al aire libre a la hora de captar una impresión de la naturaleza.


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