Además, no es lo mismo ver realmente la arquitectura que poseen los diferentes museos tradicionales, que ver las páginas Web de esos museos, sabiendo que no estamos seguros de que es la misma decoración como la que está en el museo tradicional.
jueves, 3 de junio de 2010
Comparación de museos virtuales y museos tradicionales.
Como conclusión, puedo decir que, aunque los museos virtuales nos ofrezcan la comodidad de "visitarlos gratuitamente” y apreciar las obras desde nuestros hogares, no se puede comparar con disfrutar el arte personalmente en los museos tradicionales, ya que estos nos brindan los verdaderos colores, formas, texturas, tamaños, etc. de cada obra, sin que estas cualidades sean modificadas, como sucede en la Web , ya sea por replicas, por ejemplo.
jueves, 29 de abril de 2010
NEOEXPRESIONISMO
QUINTO MOVIMIENTO: "NEOEXPRESIONISMO"
Este movimiento surge en Alemania y Estados Unidos a finales de los años sesenta y principio de los setenta, pero adquiere su consolidación en la década posterior.
El neoexpresionismo se propone retomar la figuración desde su tratamiento violento y primitivo, determinado por la pincelada y el uso de colores contrastantes, aunque conservando la disposición tradicional de la composición.
Los artistas neoexpresionistas volvieron a emplear los elementos formales del expresionismo alemán y del expresionismo abstracto americano en un retorno a la pintura figurativa, a menudo de escala colosal. Cubriendo una amplia gama de temas culturales, mitológicos, históricos y eróticos, los neoexpresionistas tienden a emplear una pincelada gestual y grandes y ostentosas figuras. En Italia el movimiento dió origen a la transvanguardia, que utilizó un estilo ecléctico que combinaba imágenes de la cultura italiana, de la cultura popular y de la cultura no occidental.
ARTISTA DESTACADO: Georg Baselitz.
Artista alemán, cuyo expresionismo figurativo contribuyó al renacimiento del arte representacional a finales del siglo XX. Baselitz, cuyo verdadero nombre es Georg Kern, nació en Deutschbaselitz, Sajonia, el 23 de enero de 1938. Adoptó el nombre de Baselitz en 1956, cuando se trasladó a lo que entonces era Berlín occidental, después de su expulsión de la Kunstakademie de Berlín oriental.
Entre 1957 y 1964 asistió a la Academia de Arte de Berlín occidental, donde estudió con Hann Trier. Su primera exposición se realizó en 1961 en esa ciudad, junto con la obra del pintor Eugen Schönebeck, con el que publicó los manifiestos Pandämonium en 1961 y 1962.
Tras alcanzar una considerable fama, recibió numerosos premios y fue catedrático de pintura en las universidades de Karlsruhe y Berlín.
Sus primeras obras, con una fuerte influencia del Art Brut, se caracterizaban por la profusión de imágenes sexuales explícitas. En la década de 1960 pintó varias series de figuras monumentales a las que llamó Héroes, Rebeldes o Pastores. Al final de este periodo comenzó a realizar composiciones invertidas con el fin de acentuar sus cualidades formales en oposición a lo figurativo. Continuó realizando figuras invertidas en las décadas siguientes, como puede apreciarse en Nariz roja (1987, Städtisches Kunstmuseum, Bonn), un desnudo femenino pintado con un estilo expresivo característico. También fue célebre por algunos grabados de gran calidad y por sus ambiciosas esculturas en madera. Baselitz fue uno de los artistas alemanes más importantes de su época y tuvo una influencia crucial en la nueva generación de artistas figurativos que surgieron en Alemania y otros países occidentales en los últimos años de la década de 1970 y durante la de 1980.
OBRA:
LINKS DE INFORMACIÓN:
Este movimiento surge en Alemania y Estados Unidos a finales de los años sesenta y principio de los setenta, pero adquiere su consolidación en la década posterior.
El neoexpresionismo se propone retomar la figuración desde su tratamiento violento y primitivo, determinado por la pincelada y el uso de colores contrastantes, aunque conservando la disposición tradicional de la composición.
Los artistas neoexpresionistas volvieron a emplear los elementos formales del expresionismo alemán y del expresionismo abstracto americano en un retorno a la pintura figurativa, a menudo de escala colosal. Cubriendo una amplia gama de temas culturales, mitológicos, históricos y eróticos, los neoexpresionistas tienden a emplear una pincelada gestual y grandes y ostentosas figuras. En Italia el movimiento dió origen a la transvanguardia, que utilizó un estilo ecléctico que combinaba imágenes de la cultura italiana, de la cultura popular y de la cultura no occidental.
ARTISTA DESTACADO: Georg Baselitz.
Artista alemán, cuyo expresionismo figurativo contribuyó al renacimiento del arte representacional a finales del siglo XX. Baselitz, cuyo verdadero nombre es Georg Kern, nació en Deutschbaselitz, Sajonia, el 23 de enero de 1938. Adoptó el nombre de Baselitz en 1956, cuando se trasladó a lo que entonces era Berlín occidental, después de su expulsión de la Kunstakademie de Berlín oriental.
Entre 1957 y 1964 asistió a la Academia de Arte de Berlín occidental, donde estudió con Hann Trier. Su primera exposición se realizó en 1961 en esa ciudad, junto con la obra del pintor Eugen Schönebeck, con el que publicó los manifiestos Pandämonium en 1961 y 1962.
Tras alcanzar una considerable fama, recibió numerosos premios y fue catedrático de pintura en las universidades de Karlsruhe y Berlín.
Sus primeras obras, con una fuerte influencia del Art Brut, se caracterizaban por la profusión de imágenes sexuales explícitas. En la década de 1960 pintó varias series de figuras monumentales a las que llamó Héroes, Rebeldes o Pastores. Al final de este periodo comenzó a realizar composiciones invertidas con el fin de acentuar sus cualidades formales en oposición a lo figurativo. Continuó realizando figuras invertidas en las décadas siguientes, como puede apreciarse en Nariz roja (1987, Städtisches Kunstmuseum, Bonn), un desnudo femenino pintado con un estilo expresivo característico. También fue célebre por algunos grabados de gran calidad y por sus ambiciosas esculturas en madera. Baselitz fue uno de los artistas alemanes más importantes de su época y tuvo una influencia crucial en la nueva generación de artistas figurativos que surgieron en Alemania y otros países occidentales en los últimos años de la década de 1970 y durante la de 1980.
OBRA:
"Mauerfalle"
LINKS DE INFORMACIÓN:
HIPERREALISMO.
CUARTO MOVIMIENTO: "HIPERREALISMO".
Conocido también como realismo fotográfico o realismo radical, el Hiperrealismo es la escuela pictórica de tendencia realista más absoluta de la historia. Pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes.
Nació en Estados Unidos a finales de los años 60 y se promovió en Europa. Fue confirmado por la exposición que Uldo Kulterman presentó en París bajo ese nombre.
Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.
En América del Norte, donde el pop art había arelado profundamente, el hiperrealismo se trabajaba a partir de la reproducción pintada de los objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes.
En Europa, en cambio, el hiperrealismo no suele tener connotaciones del pop art y se impregna de un lirismo casi surrealista.
ARTISTA DESTACADO: Richard Estes.
Richard Estes es conocido como uno de los fundadores del movimiento pictórico fotorrealista que nació en los Estados Unidos a finales de los años 60 y comienzos de los 70 del pasado siglo. El artista, sin embargo, no se siente identificado con esa etiqueta y prefiere ser considerado simplemente como un pintor en el sentido tradicional de la palabra. Su pintura no se agota en la alusión a la fotografía. Estes nunca se limita a calcar una proyección fotográfica, sino que construye una verdadera composición pictórica utilizando diversas tomas fotográficas como materiales auxiliares, pero acudiendo al mismo tiempo al dibujo, la perspectiva o el estudio de la luz.
"Edificio Flatiron"
LINKS DE INFORMACIÓN:
Conocido también como realismo fotográfico o realismo radical, el Hiperrealismo es la escuela pictórica de tendencia realista más absoluta de la historia. Pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes.
Nació en Estados Unidos a finales de los años 60 y se promovió en Europa. Fue confirmado por la exposición que Uldo Kulterman presentó en París bajo ese nombre.
Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.
En América del Norte, donde el pop art había arelado profundamente, el hiperrealismo se trabajaba a partir de la reproducción pintada de los objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes.
En Europa, en cambio, el hiperrealismo no suele tener connotaciones del pop art y se impregna de un lirismo casi surrealista.
ARTISTA DESTACADO: Richard Estes.
Richard Estes es conocido como uno de los fundadores del movimiento pictórico fotorrealista que nació en los Estados Unidos a finales de los años 60 y comienzos de los 70 del pasado siglo. El artista, sin embargo, no se siente identificado con esa etiqueta y prefiere ser considerado simplemente como un pintor en el sentido tradicional de la palabra. Su pintura no se agota en la alusión a la fotografía. Estes nunca se limita a calcar una proyección fotográfica, sino que construye una verdadera composición pictórica utilizando diversas tomas fotográficas como materiales auxiliares, pero acudiendo al mismo tiempo al dibujo, la perspectiva o el estudio de la luz.
Aunque haya pintado también paisajes de la naturaleza, Richard Estes es ante todo un pintor de ciudades: Chicago, París, Venecia, San Francisco, Praga, Barcelona, Londres, Córdoba, Florencia… y especialmente Nueva York, la urbe a la que ha dedicado una atención más temprana y más prolongada. En las vistas de ciudades de Richard Estes hay infinidad de signos que nos hablan de un tiempo y un lugar: los modelos de automóviles, las vallas publicitarias, los escaparates, hasta la ropa que visten los peatones. Pero más allá de ese componente efímero, la ciudad, cada ciudad, se despliega en la obra de Estes como un cristal, como una estructura cristalina que tiene infinitas facetas y que reaparece siempre idéntica y siempre cambiante.
El realismo de Estes no es una reproducción pasiva de lo que vemos, sino más bien un cuestionamiento de lo visible. Ése es el sentido del uso casi obsesivo de los reflejos. Desde que en 1967 pintó el edificio Flatiron reflejado en la chapa de un automóvil, los reflejos aparecen por doquier en la obra de Estes: en la carrocería de los coches y los autobuses, en los cristales de los escaparates, en el agua. Estas superficies reflectantes no son lisas y uniformes; están llenas de olas y remolinos que alteran y deforman lo que se refleja en ellas. Al desplegarse sobre estas superficies, los objetos reales se convierten en monstruos fantásticos e irreconocibles, como los desnudos femeninos en las fotografías de André Kertesz. A veces, nuestra única percepción del mundo real en la pintura de Estes se da a través del reflejo, y en él, el mundo aparece invertido, fragmentado y distorsionado.
"Edificio Flatiron"
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ARTE ÓPTICO
TERCER MOVIMIENTO: "ARTE ÓPTICO"
El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en Estados Unidos en el año 1958, conocido mayormente por su acepción en inglés: Op Art.
Es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro.
Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posiblidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece.
Surge como una derivación de la abstracción geométrica.
Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión.
Artista destacado: Julio Le Parc.
LINKS DE INFORMACIÓN:
El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en Estados Unidos en el año 1958, conocido mayormente por su acepción en inglés: Op Art.
Es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro.
Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posiblidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece.
Surge como una derivación de la abstracción geométrica.
Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión.
Artista destacado: Julio Le Parc.
Pintor argentino.
Se forma en la Escuela de Bellas Artes de Buenos Aires (1943 1946), completando sus estudios en París, donde trabaja con Víctor Vasarely. Miembro fundador del Groupe de Recherches d´Art Visuel (Grupo de Investigaciones de Arte Visual), su obra explora las posibilidades que ofrece tanto el Op Art como el Arte Cinético, concentrándose en las posibilidades de la utilización de la luz para fines artísticos. Otorga gran importancia a las superficies en las que uno o más parámetros quedan modificados debido a diferentes movimientos efectuados en intensidades variables; llega así a la creación de estructuras visuales inestables, en las que el color o diferentes texturas colaboran en la producción de efectos calculados. Círculos fraccionados (1965) y Luces continuas son ejemplos a destacar dentro de su legado artístico. En 1966 fue galardonado con el Premio de Pintura de la Bienal de Venecia, participando a partir de entonces en numerosas exposiciones colectivas de arte experimental.
OBRAS:
"Desplazamientos"
Julio Le Parc es uno de los artistas y teóricos que más firmemente se ha posicionado en contra de la obra de arte como objeto de valor. Ha trabajado siempre por acercar el arte contemporáneo al espectador, afirmando así: "Para mi es suficiente si el espectador sale con una sensación de haber sido parte de una experiencia, ya sea el movimiento, las luces,..No se le impone una manera de ver las cosas y las interpretaciones de cada uno pueden ser diferentes."
OBRAS:
"Desplazamientos"
Julio Le Parc es uno de los artistas y teóricos que más firmemente se ha posicionado en contra de la obra de arte como objeto de valor. Ha trabajado siempre por acercar el arte contemporáneo al espectador, afirmando así: "Para mi es suficiente si el espectador sale con una sensación de haber sido parte de una experiencia, ya sea el movimiento, las luces,..No se le impone una manera de ver las cosas y las interpretaciones de cada uno pueden ser diferentes."
LINKS DE INFORMACIÓN:
ARTE CINÉTICO
SEGUNDO MOVIMIENTO: "ARTE CINÉTICO"
El arte cinético es una corriente de arte en que las obras tienen movimiento o que parecen tenerlo.
Algunas de sus obras:
"TIGRES"
En estas dos obras vemos el estudio de la continuidad perceptiva, con líneas curvas que provocan movimiento también en sentido curvo. Este movimiento en superficies planas se crea retorciendo los cuerpos, diferenciando los contornos a través del contrate de líneas gruesas y estrechas así como de los coloree delos cuerpos y fondos. En ambas pinturas observamos como Vasarely retuerce a los animales de dos en dos , contraponiendo a este equilibrio de figuras el enfrentamiento de las cabezas, tanto de tigres como de cebras. Centrándonos en Tigres (1938) vemos como lo que interesa de la obra, las figuras, quedan encerradas por el marco que forman las cabezas y rabos enfrentados.
LINKS DE INFORMACIÓN:
El arte cinético es una corriente de arte en que las obras tienen movimiento o que parecen tenerlo.
El arte cinético y el arte óptico son corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento. Está principalmente representado en el campo de la escultura, donde uno de los recursos son los componentes móviles de las obras. Pictóricamente, el arte cinético también se puede basar en las ilusiones ópticas, en la vibración retiniana y en la imposibilidad de nuestro ojo de mirar simultáneamente dos superficies coloreadas, violentamente contrastadas. En este último caso de cinetismo virtual, se habla de Op Art.
Las primeras manifestaciones de arte cinético se dan en los años 1910, en el movimiento futurista y en ciertas obras de Marcel Duchamp.
La expresión arte cinético es adoptada hacia 1954, para designar las obras de arte puestas en movimiento por el viento, los espectadores y/o un mecanismo motorizado.
Algunas de sus obras:
"TIGRES"
En estas dos obras vemos el estudio de la continuidad perceptiva, con líneas curvas que provocan movimiento también en sentido curvo. Este movimiento en superficies planas se crea retorciendo los cuerpos, diferenciando los contornos a través del contrate de líneas gruesas y estrechas así como de los coloree delos cuerpos y fondos. En ambas pinturas observamos como Vasarely retuerce a los animales de dos en dos , contraponiendo a este equilibrio de figuras el enfrentamiento de las cabezas, tanto de tigres como de cebras. Centrándonos en Tigres (1938) vemos como lo que interesa de la obra, las figuras, quedan encerradas por el marco que forman las cabezas y rabos enfrentados.
LINKS DE INFORMACIÓN:
- http://artespana.nosdomains.com/nicaso/movimientos/cinetico.htm
- http://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/vasarely.htm
- http://images.google.com.ar/imgres?imgurl=http://html.rincondelvago.com/000059910.png&imgrefurl=http://html.rincondelvago.com/victor-vasarely.html&usg=__BM4g5HSxdbhGM9cEEhMFEWkMhNk=&h=261&w=398&sz=84&hl=es&start=4&um=1&itbs=1&tbnid=3YEpDr6wNQJ-PM:&tbnh=81&tbnw=124&prev=/images%3Fq%3Dobras%2Bde%2BV%25C3%25ADctor%2BVasarely%26um%3D1%26hl%3Des%26client%3Dfirefox-a%26rls%3Dorg.mozilla:es-AR:official%26tbs%3Disch:1
* MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS DESDE 1945 HASTA EL NUEVO SIGLO *
PRIMER MOVIMIENTO: "POP ART"
El Arte Pop (Arte Popular) fue un movimiento artístico surgido a finales de los años 1950 en Inglaterra y los Estados Unidos; sus características son el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas aplicados a las artes visuales.
Subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. Se lo considera como la manifestación plástica de una cultura (pop) caracterizada por la tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie.
En este tipo de cultura también el arte deja de ser único y se convierte en una adicción.
Los orígenes del Pop se encuentran en el dadaísmo y en su desprecio por el objeto, sin embargo el pop descarga de la obra toda la filosofía anti-arte de Dadá y encuentra una vía para construir a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana al igual que Duchamp había hecho con sus ready- mades. En cuanto a las técnicas también toma del dadaísmo el uso del collage y del fotomontaje.
Los temas, formas y los medios del Pop Art muestran los rasgos esenciales que asociamos con el ambiente cultural de los años sesenta y el estado de ánimo de la gente.
Uno de los artistas de este movimiento es Andy Warhol, que, con sus innovadoras obras, logró destacarse en el mundo artístico, convirtiéndose en una reconocida figura que trascendió distintas epocas, y hoy es el ícono de uno de los movimientos vanguardistas más importantes.
Este video nos muestra un poco de su vida:
Una de sus obras más destacadas fue: "Campbell's Soup Cans" (también conocida como "32 latas de sopa Campbell").
Consiste en treinta y dos lienzos con una pintura de una lata de sopa Campbell (cada una de las variedades de sopa enlatada).
Andy Warhol afirmaba que: "La razón por la que pinto de este modo es porque quiero ser una máquina".
LINKS DE INFORMACIÓN:
El Arte Pop (Arte Popular) fue un movimiento artístico surgido a finales de los años 1950 en Inglaterra y los Estados Unidos; sus características son el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas aplicados a las artes visuales.
Subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. Se lo considera como la manifestación plástica de una cultura (pop) caracterizada por la tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie.
En este tipo de cultura también el arte deja de ser único y se convierte en una adicción.
Los orígenes del Pop se encuentran en el dadaísmo y en su desprecio por el objeto, sin embargo el pop descarga de la obra toda la filosofía anti-arte de Dadá y encuentra una vía para construir a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana al igual que Duchamp había hecho con sus ready- mades. En cuanto a las técnicas también toma del dadaísmo el uso del collage y del fotomontaje.
Los temas, formas y los medios del Pop Art muestran los rasgos esenciales que asociamos con el ambiente cultural de los años sesenta y el estado de ánimo de la gente.
Uno de los artistas de este movimiento es Andy Warhol, que, con sus innovadoras obras, logró destacarse en el mundo artístico, convirtiéndose en una reconocida figura que trascendió distintas epocas, y hoy es el ícono de uno de los movimientos vanguardistas más importantes.
Este video nos muestra un poco de su vida:
Una de sus obras más destacadas fue: "Campbell's Soup Cans" (también conocida como "32 latas de sopa Campbell").
Consiste en treinta y dos lienzos con una pintura de una lata de sopa Campbell (cada una de las variedades de sopa enlatada).
Para Warhol esta obra constituyó su primera exposición individual en una galería de arte como artista profesional. La obra marcó el debut del arte pop en la Costa oeste de los EE.UU. Al principio, la combinación del proceso semimecanizado, el estilo y el tema comercial causaron molestia, ya que el evidente comercialismo mundano representaba una afrenta directa a la técnica y filosofía del expresionismo abstracto. Esta controversia condujo a un gran debate acerca de la ética y los méritos que suponían tal trabajo. Los motivos de Warhol como artista fueron cuestionados. La gran conmoción pública ayudó a transformar a Warhol de un experimentado ilustrador comercial de los años 1950 a un notable artista de bellas artes, y lo hizo distinguirse de otros artistas pop emergentes. Aunque la demanda comercial por sus pinturas no fue inmediata, la relación de Warhol con el tema llevó a que su nombre se convirtiera en sinónimo de las pinturas de Latas de sopa Campbell.
Andy Warhol afirmaba que: "La razón por la que pinto de este modo es porque quiero ser una máquina".
LINKS DE INFORMACIÓN:
- http://images.google.com.ar/imgres?imgurl=http://www.poster.net/warhol-andy/warhol-andy-campbell-soup-2102306.jpg&imgrefurl=http://www.taringa.net/posts/arte/1797499/%28EDIT%29%255BPop-Art%255D-Arte-Popular-%28Info-e-imagenes%29-%28%2BVideo!%29.html&usg=__2mMugtEJymSMe5Gc-fKHuLVWXPI=&h=450&w=335&sz=16&hl=es&start=40&um=1&itbs=1&tbnid=GEYnrfZdjK5EGM:&tbnh=127&tbnw=95&prev=/images%3Fq%3Dandy%2Bwarhol%26start%3D36%26um%3D1%26hl%3Des%26client%3Dfirefox-a%26sa%3DN%26rls%3Dorg.mozilla:es-AR:official%26ndsp%3D18%26tbs%3Disch:1
- http://www.alu.ua.es/n/nrm9/
domingo, 25 de abril de 2010
EL SURREALISMO
En 1924 André Breton, líder del movimiento, lo define como "el dictado de pensamiento carente de todo control ejercido por la razón y fuera de toda preocupación estética o moral".
El surrealismo fue el movimiento literario y artístico más importante de entreguerras, pero sus intenciones no se limitaron al arte. Su finalidad era transformar la vida a través de la liberación de la mente del hombre de todas las restricciones tradicionales que la esclavizan. La religión, la moralidad, la familia y la patria se convierten así en instituciones a revisar. El movimiento surrealista se inició de manera oficial en París en 1924 con la publicación del Primer Manifiesto, escrito por André Breton. Sin embargo, durante los tres años anteriores se puede considerar que estaba gestándose, pues el foco dadaísta parisino lo configuraron los mismos miembros que, más tarde, se adscribirían a los surrealistas.
El surrealismo adoptó formas muy diversas; en un primer momento fue la causa un proyecto esencialmente literario, sin embargo en la segunda mitad de los años veinte se fue adaptando rápidamente a las artes visuales (la pintura, la escultura, la fotografía, el cine).
PRINCIPAL ARTISTA: Salvador Dalí (1904-1989)
Se considera al pintor español, el principal exponente del surrealismo.
Nació en Figueres, Girona, el 11 de mayo de 1904. En 1921 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), de donde fue expulsado en 1926. En esa época vivió en la Residencia de Estudiantes de Madrid. En 1929, instalado en París, donde conoció a Pablo Picasso, se adhiere al surrealismo, aunque los miembros principales del movimiento expulsarían finalmente a Dalí por sus tendencias políticas derechistas. La producción de Dalí de este periodo se basa en su método paranoico-crítico, inspirado en buena parte en las teorías de Freud, representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas insospechadas y sorprendentes, como los relojes blandos de La persistencia de la memoria. Dalí se trasladó a Estados Unidos en 1940, donde permaneció hasta 1948. Sus últimas obras, a menudo de contenido religioso, se realizan en un estilo más clásico, entre ellas cabe citar la Crucifixión (1954, Metropolitan Museum, Nueva York) y La Última Cena (1955, Galería Nacional de Washington). La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso. Dalí realizó varias películas surrealistas en colaboración con Buñuel como El perro andaluz (1928) y La edad de oro (1930), libros ilustrados, diseños de joyería así como escenografías y vestuarios teatrales. También escribió libros autobiográficos como La vida secreta de Salvador Dalí (1942) y Diario de un genio (1965). Fue miembro de la Academia Francesa de Bellas Artes desde 1979. Murió el 23 de enero de 1989 en Figueres.
"Los relojes blandos" se convirtieron en su marca característica en muchas de sus obras. Para Dalí, los relojes representaban el principio de la realidad, mientras que lo blando, el del placer.
LINKS DE INFORMACIÓN:
El surrealismo fue el movimiento literario y artístico más importante de entreguerras, pero sus intenciones no se limitaron al arte. Su finalidad era transformar la vida a través de la liberación de la mente del hombre de todas las restricciones tradicionales que la esclavizan. La religión, la moralidad, la familia y la patria se convierten así en instituciones a revisar. El movimiento surrealista se inició de manera oficial en París en 1924 con la publicación del Primer Manifiesto, escrito por André Breton. Sin embargo, durante los tres años anteriores se puede considerar que estaba gestándose, pues el foco dadaísta parisino lo configuraron los mismos miembros que, más tarde, se adscribirían a los surrealistas.
El surrealismo adoptó formas muy diversas; en un primer momento fue la causa un proyecto esencialmente literario, sin embargo en la segunda mitad de los años veinte se fue adaptando rápidamente a las artes visuales (la pintura, la escultura, la fotografía, el cine).
PRINCIPAL ARTISTA: Salvador Dalí (1904-1989)
Se considera al pintor español, el principal exponente del surrealismo.
Nació en Figueres, Girona, el 11 de mayo de 1904. En 1921 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), de donde fue expulsado en 1926. En esa época vivió en la Residencia de Estudiantes de Madrid. En 1929, instalado en París, donde conoció a Pablo Picasso, se adhiere al surrealismo, aunque los miembros principales del movimiento expulsarían finalmente a Dalí por sus tendencias políticas derechistas. La producción de Dalí de este periodo se basa en su método paranoico-crítico, inspirado en buena parte en las teorías de Freud, representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas insospechadas y sorprendentes, como los relojes blandos de La persistencia de la memoria. Dalí se trasladó a Estados Unidos en 1940, donde permaneció hasta 1948. Sus últimas obras, a menudo de contenido religioso, se realizan en un estilo más clásico, entre ellas cabe citar la Crucifixión (1954, Metropolitan Museum, Nueva York) y La Última Cena (1955, Galería Nacional de Washington). La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso. Dalí realizó varias películas surrealistas en colaboración con Buñuel como El perro andaluz (1928) y La edad de oro (1930), libros ilustrados, diseños de joyería así como escenografías y vestuarios teatrales. También escribió libros autobiográficos como La vida secreta de Salvador Dalí (1942) y Diario de un genio (1965). Fue miembro de la Academia Francesa de Bellas Artes desde 1979. Murió el 23 de enero de 1989 en Figueres.
"Los relojes blandos" se convirtieron en su marca característica en muchas de sus obras. Para Dalí, los relojes representaban el principio de la realidad, mientras que lo blando, el del placer.
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